LOS OFICIOS DEL DILETANTE

LA CHANSON DE JACKY

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sun, 27 Dec 2009 01:05:00 +0000

En la obra de Jacques Brel “La chanson de Jacky” ocupa un lugar importante al situarse en esa etapa previa a la retirada que contiene algunas joyas sin las que su discografía difícilmente podría explicarse. Grabada en 1965 nos hallamos en un periodo de madurez e inspiración en la obra del cantautor belga. “La chanson de Jacky” suena a su modo a canción de despedida que navega entre el pasado al que remite el título y el futuro que Brel imagina.

Canción soberbia a todos los niveles. Posee la poesía trascendente de Brel pero es también divertida e irónica. La melodía concebida por Jouannest es estupenda, aprovechando al máximo las posibilidades de Brel como intérprete que luego verificará en los directos. Coetánea de “La chanson de Jacky” es “Ces- gens là” en la que Brel utilizaba dos simples acordes que le permitían una total libertad a la hora de interpretar la canción. Este mismo proceder será básico en “Orly”, una de sus obras maestras.

“La chanson de Jacky” cimienta parte de su solidez en la fuerza interpretativa y vocal de Brel partiendo de una melodía soberbia y de un texto brillante capaz de condensar todas las virtudes expresivas y metafóricas habituales en el artista belga. Brel vuelve la vista a la edad aquella en la que aún no era un adulto con responsabilidades, esa edad en la que le llamaban Jacky. Y menciona el dolor de mirarse en el espejo y no sentirse a gusto con su físico, sentimiento que compartirá con Serge Gainsbourg y que le llevará a decir en el estribillo que le gustaría ser por una hora tan sólo guapo e imbécil a la vez. Estamos en la línea de lo ya expresado en "La Fanette".

Etre una heure, una heure seulement
etre una heure, una heure seulement
etre una heure, rien qu’une heure durant
beau, beau, beau et con à la fois.

En la primera parte de la canción Brel empieza a elucubrar sobre su futuro y se imagina convertido en cantante decadente para un auditorio de mujeres igualmente decadentes. El escenario elegido para la recreación es el de Knokke-le-Zoute que le recuerda sus inciertos comienzos. Brel emplea en esta canción su consabido gusto por el neologismo como cuando compara su futura voz de cantante sentimental a la de un bandoneón (voix bandonéante).

La segunda parte de “La chanson de Jacky” es premonitoria ya que en ella el cantante belga muestra su perfil de apasionado aventurero que llevará a la práctica. De hecho se imagina de puerto en puerto, de país en país, dirigiendo un garito en Macao o abandonando el oficio de cantor para ejercer de chantajista e incluso de vendedor de whisky o de barcos de opio. El caso es situarse fuera del mundo, lejos de los focos, del éxito, de la fama.

En la tercera y última parte de la canción Brel se imagina al lado de ese Dios en el que no cree, en un paraíso de ángeles a los que describe como mujeres de blancas alas. En todos los casos siempre sonará la canción de antaño, aquella que cantaba cuando se llamaba Jacky, aquella que seguirán entonando, incluso más allá de su muerte, los ángeles, los santos y el propio Lucifer.

“La chanson de Jacky” no podía faltar entre el repertorio elegido por Brel en su mítico recital de despedida en el Olympia de París. Era una de las canciones que mejor definían su última etapa creativa y que mejor podían reflejar su espíritu y su estilo personal y único.

De esta canción de Brel se han grabado multitud de versiones. Entre ellas hay que destacar la del breliano y fascinante Scott Walker, la de Marc Almond, la de Bénabar o la registrada por Divine Comedy. Hay una recreación del tema muy curiosa grabada en 1968 por Suzanne Gabriello, la amante por la que Brel escribió “Ne me quitte pas”. Gabriello adaptó "La chanson de Jacky" con el título de “Charly”. Florent Pagny también la versionó en su estimable homenaje a Brel.

NAVIDAD

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 26 Dec 2009 12:42:00 +0000

La lluvia incesante mojando las calles en estos últimos días de diciembre. Es inevitable que tome posesión de mis pertenencias la nostalgia de aquellas navidades de la infancia. Ahora está perdida la senda de aquellos villancicos pero uno siempre vuelve de donde nunca se marchó del todo. Por esa razón montamos el belén porque nos proclamamos hijos de aquel tiempo, de aquella nieve imposible, de aquellas ficticias montañas y aquellos pastorcitos modelados por manos artesanas. Hay quien huye de estos días porque han perdido todo sentido o toda revelación. En cambio mi modo de ver las cosas es otro porque tiene que ver con mi propio pasado, con el paisaje de la niñez y los ojos emocionados de mis padres. Cuestión de tradición.

Mientras pienso en todas estas cosas termino de leer Una novelita lumpen del gran Roberto Bolaño. Me fascina el personaje de Maciste, actor retirado, viejo campeón de culturismo, que deambula con su ceguera a cuestas por su mansión. Una novelita lumpen es una novela precisa y redonda que Bolaño ambienta en Roma. Dos hermanos que han perdido a su padre bordean la delincuencia y la miseria en este libro estupendo de uno de los grandes narradores que ha dado la literatura en español en las últimas décadas.

ENTREVISTA DE ISABEL GEMIO

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Mon, 21 Dec 2009 20:40:00 +0000

Para quien pudiera interesarle os dejo con la entrevista que Isabel Gemio me hizo el pasado domingo en su programa Te doy mi palabra de Onda Cero Radio. Hablamos de Jacques Brel, una canción desesperada. Agradezco a Isabel Gemio la sensibilidad que ha mostrado hacia mi libro como buena seguidora que es del inolvidable cantautor belga. Por muchas razones es una de las entrevistas más especiales que he concedido durante la promoción de mi libro dedicado a Brel con permiso del reportaje que me hizo el maestro Enrique Alcina en Diario de Cádiz. No olvido tampoco la entrevista del periodista Miguel Fernández (otro apasionado de la chanson) en el programa Es la vida de Canal Sur Radio.

RAQUEL LANSEROS

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sun, 20 Dec 2009 00:43:00 +0000

En el espacio de libros de Cádiz en la Onda (Onda Cero Radio, 91.4) hemos tenido el placer de entrevistar a la poeta Raquel Lanseros que acaba de publicar Croniria con la editorial Hiperión. Este libro ha merecido el Premio de Poesía Antonio Machado que se concede anualmente en Baeza. A Croniria espero dedicarle unas líneas más atentas en un futuro.

Raquel Lanseros es una de las grandes poetas de nuestro tiempo y su quehacer poético está alejado de modas y coyunturas que poco tienen que ver con la poesía. Este juicio no lo ciega mi amistad con ella ya que a Raquel la descubrí como poeta importante antes de conocerla personalmente. Mi descubrimiento llegó a través de la lectura emocionada de Diario de un destello que fue finalista del Premio Adonais.

PACHECO

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sun, 13 Dec 2009 12:50:00 +0000

El Premio Cervantes otorgado recientemente al poeta mexicano José Emilio Pacheco me llenó de alegría como lector entusiasmado que soy de su obra. La poesía de José Emilio Pacheco es de las más interesantes que se han concebido en lengua española en las últimas décadas. En 1985 Luis Antonio de Villena le dedicó un estudio para la colección Los poetas de Ediciones Júcar. Esas páginas incluían al final una antología del poeta que fue la primera aproximación que tuve a su obra. Villena definía a Pacheco como poeta humanista y naturalista a lo que cabría añadir el término de poeta urbano y cívico, navegante apasionado del amor y de la vida. El paso del tiempo es otra de las obsesiones de su lírica aunque podríamos decir que es obsesión común a la poesía y a los poetas que plasman en sus versos que el tiempo, ese traidor incorregible, se nos va de las manos. En José Emilio Pacheco estos poemas crespusculares, bañados en soledad y agonía, entroncan con la estética barroca. Nada de lo que somos permanece, todo se acaba, parece decirnos en sus poemas más pesimistas el gran poeta mexicano. Hay un poema suyo titulado "Vida de los poetas" que siempre me ha parecido excelente.

En la poesía no hay final feliz.

Los poetas acaban

viviendo su locura.

Y son descuartizados como reses

(sucedió con Darío)

O bien los apedrean y terminan

arrojándose al mar o con cristales

de cianuro en la boca.

O muertos de alcoholismo, drogadicción, miseria.

O lo que es peor: poetas oficiales,

amargos pobladores de un sarcófago

llamado Obras Completas.

En el poema "Contra la Kodak" Pacheco no cree que las fotografías constituyan la música del pasado sino que son el estruendo de las ruinas internas que se desploman. En el poema "Antiguos compañeros se reúnen" dos versos bastan para sintetizar cómo los hombres con el trasiego de los años traicionan los ideales revolucionarios de la juventud:

Ya somos todo aquello

contra lo que luchamos a los veinte años

Estremecen muchos de sus poemas, entre ellos el titulado "Cerdo ante Dios" (Si Dios existe/¿por qué sufre este cerdo?) o el que imagina un encuentro de Bécquer con Rilke en Sevilla en el que el poeta dice que uno vive siempre despidiéndose del mundo y de los otros. Toda la poesía de José Emilio Pacheco asombra por su clarividencia y por la intensidad de muchos de sus versos. Visor ha editado este mismo año en su colección Palabra de Honor la poesía escrita por el mexicano entre 2001 y 2008. Este libro titulado Como la lluvia es el complemento idóneo de La edad de las tinieblas, la más reciente muestra lírica del poeta, escrita en una impecable prosa poética y fiel a sus constantes.

PASIÓN

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sun, 13 Dec 2009 01:21:00 +0000

Ella domina el escenario como pocas artistas españolas saben hacerlo en la actualidad. Volvió al Teatro Falla de Cádiz que es como su casa y recorrió con los cálidos vientos de su voz el paisaje sonoro latinoamericano que alumbra su último disco titulado Gracias a la vida. Los recitales de esta gira se inician con una selección de tangos en los que brilla el bandoneón de Tito Cartechini. Asoma en esta selección el genio de Discépolo en "Cambalache" o la lírica de Cadícamo en "Nostalgias". En su primer álbum de estudio titulado Un toque de distinción una jovencísima Pasión Vega ya se atrevía con la gardeliana "El día que me quieras" remarcando desde sus orígenes que el tango había sido parte de su primera memoria musical. Pasión Vega acaricia el tango, lo dulcifica y no pretende en momento alguno emular el fraseo porteño o ensayar una voz arenosa por el humo de los arrabales.

El tango se retiró de la escena y dió paso a la copla que Pasión cubre con el oro de su voz. Capítulo aparte para su interpretación dramática y ajustada de "Y sin embargo te quiero" y oportuna siempre la recreación personal y algo jazzistica de "María la portuguesa", una de las grandes canciones de Carlos Cano. La imbatible al paso del tiempo "Ojos verdes" cerró muy recogidamente (sólo piano y voz) esta parte dedicada a la copla en la que se lució como acostumbra el pianista Jacob Sureda.

La copla dejó su sitio al desgarro de José Alfredo Jiménez. Aparecieron con su fanfarria los mariachis, sonaron clásicos como "El jinete" o la inevitable "Noche de ronda", idónea para que el público participara del espectáculo haciendo los coros. En este momento culminante del recital destacó "Fina estampa" de Chabuca Granda cuyo arreglo cargado de Sur encaja bien con el estilo vocal de Pasión Vega quien hizo suya también "Gracias a la vida", el poema-himno de la gran Violeta Parra que surca como el cóndor los cielos andinos desde aquel día que su desesperación le condujo a quitarse la vida.

El público que la sigue y la quiere estaba entregado desde el inicio a las delicadas maneras de Pasión Vega cuyas revisiones del cancionero latinoamericano más reconocido y reconocible tratan de ser actuales, de adornarse con toques jazzisticos o arroparse en ocasiones de un envoltorio sonoro de consciente desnudez. No sonó la evocadora "Distancia" de Alberto Cortez que Pasión Vega borda en el disco pero sí lo hizo en el tramo final algunas canciones que fueron compuestas para ella como "Tan poquita cosa", "María se bebe las calles" o "Cómo te extraño", oda de impronta sabiniana dedicada al genio de Camarón. Fue el preludio de la siempre eléctrica "Malagueña salerosa" que suele ser ese final de fiesta que Pasión Vega suele pactar con su público.

Se fue como un suspiro la espuma vertiginosa y viajera de la voz de Pasión. Volvió a dejar el temblor de su canto infinito, la elegancia de su puesta en escena, los destellos del ángel trémulo que habita su garganta. Pronto volverán las golondrinas de su arte a posarse en nuestro balcón en forma de nuevas canciones que vayan consolidando un repertorio propio más consistente y arriesgado que esté a la altura de lo que ella merece. Mientras llega ese nuevo repertorio Pasión va culminando su gira de presentación de Gracias a la vida y volvió a triunfar de nuevo en el Falla cantando a la América hispana, a esa América de las venas abiertas y los boleros a media voz que forma parte de nuestra memoria.

DONDE PERDÍ POR IGNACIO LOBO

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Tue, 08 Dec 2009 18:32:00 +0000

Mi amigo, el cantautor gaditano Ignacio Lobo, tomó un poema mío e hizo esta versión que hoy comparto con todos los que visitáis este rincón. A Ignacio le agradezco este regalo, la sensibilidad derramada en hacer cantables estos versos, objetivo a veces no confesado de todo poeta que se precie.

JACQUES BREL EN BARCELONA

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Tue, 08 Dec 2009 00:21:00 +0000

Me acordaré siempre de la presentación de mi libro sobre Jacques Brel en Barcelona. No podía existir un mejor espacio que el ofrecido por la exquisita librería Bertrand de Barcelona emplazada en la Rambla de Catalunya. Me acompañaron con su amistad, su ternura y su cariño el poeta Tito Muñoz y el cantautor Joan Isaac. Tito me regaló la caricia acostumbrada de sus palabras cómplices y Joan la generosidad de su maravillosa música rescatando del fondo de su armario sentimental su tributo a Brel titulado "Amic Jacques", al lado de su versión de la mítica "La chanson des vieux amants", una de las cimas indudables de la desesperada poesía amatoria del trovador belga. Mención muy especial debe merecer la asistencia a la presentación de mi libro de Joan Manuel Serrat cuya generosidad conmigo volvió a conmoverme. En su caso la talla artística y la talla humana van de la mano.

Entre el público asistente había grandes y queridos amigos como Carlos Gracia Escarp, siempre tan cerca de todas mis cosas, o como la poeta Raquel Lanseros venida desde León con su estupendo y flamante Croniria bajo el brazo. También quiso acompañarme en noche tan señalada Xavier Pintanel, responsable de la indispensable página Cancioneros (auténtica enciclopedia de la canción de autor) o Eugenia López-Porro, incansable viajera y degustadora de las esencias flamencas. Desde Valencia acudió a la presentación Sonia Gimeno, admirable seguidora de Brel.

No sólo se trataba de presentar mi libro en Barcelona junto al editor y ya amigo Javier de Castro, sino que había una intención clara por mi parte de homenajear del mejor modo posible al creador de algunas de las mejores canciones de la pasada centuria. La presencia de Joan Isaac, de Tito Muñoz o de Serrat simbolizaron muchas cosas para mí. Elegí "Orly" como canción para recitar en público y como modo de mostrar la poesía plena del cancionero de Brel. Hablé también, porque la ocasión lo posibilitaba, de la vinculación de Serrat con Brel, de cómo quien ama con suficiente profundidad el cancionero del cantautor catalán termina arribando a ese puerto de sugerencias permanentes llamado Jacques Brel.

Una vez más Barcelona me acogió de un modo extraordinario. Es una ciudad que amo de un modo especial y a la que retornaba como escritor después de Serrat canción a canción. Las fotos que acompañan este texto reflejan lo vivido la noche del viernes 4 de diciembre. Quedará siempre la música de estas instantáneas que eternizan lo fugitivo de los momentos felices de la vida. Las fotografías son una gentileza como casi siempre de Fernando Fernández.

LECTURAS AL ANOCHECER

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Wed, 02 Dec 2009 23:42:00 +0000

Leo el poema de Luis Rogelio Nogueras "Acerca de un breve poema que lo hizo inmortal". Imagino entonces un poema dedicado a tus ojos, tan sencillo y falto de pretensiones como en principio debiera ser un poema dedicado a tus ojos. Trato de inspirarme con música de Poulenc pero hoy no es noche de poemas. Hoy es más bien noche de meterse en la cama y espantar los fantasmas de esta gripe que aún habita en mi garganta. Y pienso que cualquier hora es buena para contemplarte dormida y darte las gracias en silencio por todo mientras una vida nueva crece dentro de ti, una vida que me pertenece, que es parte de la mía. Proseguir, continuar, hacer camino aunque a veces cueste trabajo la vida. Huir de la soledad, derribar el miedo, enterrar las lágrimas. Amarse y jamás tomar direcciones opuestas. No pronunciar la palabra naufragio y esperar siempre el estallido de la primavera en tus labios, labios maternales y dichosos que acunan en su despertar el misterio de la existencia.

Vuelvo a dejarte un poema debajo de la almohada, un viejo poema que escondí en alguna parte y hoy de pronto me ha encontrado. Habla del deseo que baña los retratos, que anuda su temblor en la marea azul del tiempo. Habla de la vida que florece en los besos, de la higuera en el patio, de la luz de una hoguera. Habla de lo que acontece cuando las manos se mecen en la espuma de la dicha. Es el poema que guardaba y no sabía dónde lo guardaba. El poema que contiene dentro de una esfera misteriosa un corazón y un sueño.

POETAS PREMIADOS

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Wed, 02 Dec 2009 08:36:00 +0000

1. Celebro que al poeta extremeño Daniel Casado le hayan concedido un accésit en el Premio Adonais por su poemario Óscuro pez del fondo. Daniel Casado es uno esos poetas de mi generación que siempre he leído con gran interes y cuya obra merece todo tipo de distinciones y reconocimientos. Son poetas que trabajan al margen de coyunturas y de intereses. Es lo mismo que pasa con Raquel Lanseros cuyo último poemario titulado Croniria acaba de recibir el premio Antonio Machado de Baeza. La palabra poética de Raquel Lanseros la siento muy próxima a mi manera de entender la poesía y el lugar de privilegio que ocupa actualmente en la poesía española lo siento como si fuera propio.

Los ojos de la niebla era ya un poemario de una calidad asombrosa, un ejemplo de claridad machadiana y de intensidad de la que algunos poetas deberían aprender porque un poeta se forma leyendo, mirándose en los otros, buscando con la antorcha del poema comunicación y conmoción. Hay ciertos poetas de ahora mismo que no saben lo que escriben sus contemporáneos y no conocen los principios que edifican un buen poema. Raquel Lanseros y Daniel Casado lo saben de sobra y pudieran actuar sin proponérselo de referentes de toda una generación de poetas que quiere abrirse camino.

2. Leo Villa Triste de Patrick Modiano, un autor indispensable mientras contemplo el frágil espíritu de diciembre. Creo ver la sombra de Yvonne Jacquet por las calles de Cádiz pero debe tratarse de un espejismo. Los personajes de Modiano cautivan como sucede con ese intrigante doctor Meinthe que termina suicidándose. Villa Triste es una novela tan redonda como En el café de la juventud perdida y dan ganas al acabarla de volverla a leer, de no olvidarla.

Sueño con columpios que no saben que yo también fui niño. Beso el vientre de la mujer que amo. Pienso en la travesía de los gorriones y esbozo un poema sobre ellos. Me interno en Poemas a toda plana, la antología de Juan José Téllez sobre poesía y periodismo que ha publicado Visor. En ella no asoman sólo poetas sino también cantautores con alma de poetas. Me alegra que mi poema a Antoine Doinel tenga su sitio en el año de mi libro dedicado a Truffaut. Preparo la maleta para Barcelona donde aguarda la presentación de Jacques Brel, una canción desesperada y donde me espera la compañía de muy buenos amigos. Pienso en mi brazo dolorido que empieza a rehabilitarse y a recuperar masa muscular. Del dolor físico siempre estamos huyendo pero de vez en cuando no queda más remedio que sentirlo como parte de nosotros, como parte ineludible de la vida.

3. Toda canción que perdieron los labios, todas las dudas que arrastramos por los caminos de piedra, todo beso con el que quisimos nombrar la ternura. La soledad de los viajeros que asumen su condición errante y la marca del poema en el latido del viento. Y los oficios de este diletante navegando por el oscuro mar de la vida.

4. La compañía de Patxi Andión en una velada inolvidable. El cantautor enlazó anécdotas primorosas de un tiempo en el que la canción constituía un arma de esperanza y de futuro. El día del asesinato de Salvador Puig Antich cantó en el Palau de la Música de Barcelona y todavía se emociona recordando la atmósfera que se respiraba durante aquel recital en el que la censura no vetó ninguna canción de su repertorio. No podía atreverse a hacerlo en un día en el que la tensión acumulada flotaba en el ambiente.

Patxi Andión nos contó el día en el que conoció a Lola Flores en la sala de espera de un aeropuerto y cómo se vino abajo todo prejuicio que tenía sobre la inolvidable artista jerezana. Los recuerdos fueron acumulándose, recuerdos de la época en la que Patxi Andión concibió el disco Retratos, fundamental para entender la evolución de la canción de autor en España.

EN MEDIO DE LAS OLAS EN ARCOS

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 28 Nov 2009 00:19:00 +0000

Se proyectó En medio de las olas en Arcos de la Frontera con una sensación agridulce ya que no obtuvimos la respuesta de público esperada dado que el documental suponía también un homenaje a algunos poetas significativos de Arcos y a los muchos vínculos que éstos establecieron con mi padre. Lo mejor fue reencontrarse con algunos de los poetas y amigos que participaron de un modo u otro en el documental como Antonio Murciano, Aurelio Sánchez Mariscal o Cristobal Romero. En la fotografía tomada por el poeta Darío Pérez Carvajal aparecen también el poeta arcense Pedro Sevilla y el cineasta Pepe Freire.

JACQUES BREL VIVE EN CÁDIZ

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Fri, 27 Nov 2009 13:01:00 +0000

Presentación de Jacques Brel, una canción desesperada en el Salón del Claustro de la Diputación de Cádiz. Todo comenzó con “Ne me quitte pas”, la canción más popular de Jacques Brel. Era obligado que sonara la voz desesperada del Quijote belga pidiéndole a su amante en estrofas de gran aliento poético que no le deje. Una de las grandes canciones de la historia que hicieron suya Al & Cris Tango con la plasticidad e intensidad de su baile que sabe trascender en los más variados registros.

Todo el acto mostró la generosidad de los amigos que me arroparon con sus palabras y con su arte. Después de la actuación sobresaliente de Alberto Sahagún y Cristina del Castillo tomó la palabra Ana Mosquera, Vicepresidenta de la Fundación Municipal de Cultura que dio paso al editor Javier de Castro, responsable de la excelente colección de libros musicales de la editorial Milenio. El siguiente en tomar la palabra fue el escritor y periodista Juan José Téllez que fue capaz de sintetizar en su intervención las claves del universo de Brel y la importancia que sus canciones han tenido en su propia memoria sentimental.

La velada en torno a Brel la clausuró la voz y la guitarra de Patxi Andión que versionó de manera excelente “Amsterdam”, otro de los muchos logros creativos de Brel. Aquí volvieron a dejar su huella en el improvisado escenario Al&Cris Tango. Tras “Amsterdam” Patxi Andión presentó dos nuevas canciones de su nuevo disco Porvenir que está a punto de ver la luz. Porvenir supondrá el reencuentro con un cantautor inolvidable cuya obra está ligada a Brel y merece una revisión atenta que deje al lado los prejuicios con el que son mirados ciertos cantautores por el hecho de serlo o de estar vinculados a un contexto determinado.

Presentar mi libro sobre Brel en mi ciudad fue muy especial. También lo fue desayunarme el mismo día de la presentación con la crónica magistral y cómplice de Enrique Alcina en Diario de Cádiz. Y compartir luego esta presentación con los amigos que acudieron fieles a la cita y con aquellos que aunque no pudieron estar conmigo me hicieron llegar sus felicitaciones. La noche la clausuramos cenando en el acogedor ambiente del restaurante Lumen. Fue el mejor modo de celebrar la presentación de un libro en el que he tratado de ofrecer un retrato apasionado de un artista singular llamado Jacques Brel.

Las magníficas fotografías que acompañan este texto son gentileza como casi siempre de Fernando Fernández.

JUGUETES DE DIOS

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 21 Nov 2009 00:29:00 +0000

La cita fue en la vecina localidad de Puerto Real en el salón de actos de la televisión municipal. Se trata de un espacio que conocía muy bien gracias al historiador y cofrade Andrés Damián que me hizo compartir allí alguna que otra aventura televisiva. La última vez que estuve en el local situado en la calle Barragán fue de la mano del poeta y amigo Eduardo Flores. En esta ocasión acudía invitado para presentar el nuevo libro de poemas de Rosario Troncoso titulado Juguetes de Dios. El poemario ha sido exquisitamente editado por La Compañía de Versos Anónimos, una admirable aventura editorial dirigida desde Granada por Víctor Alija Castro al que tuve ocasión de conocer en persona. La poesía fue la verdadera triunfadora en la presentación de Juguetes de Dios. Charo Troncoso llenó la sala de un público afecto a su causa desde el primer momento. Se hizo acompañar de Manuel Bernal, autor del prólogo de su libro, y de la guitarra de Santi González, música y poesía en armonía. A continuación incluyo el texto con el que me uní a la celebración de este Juguetes de Dios con el que Charo Troncoso da un paso muy importante en su asentada trayectora lírica.

La poesía de Charo Troncoso fluye como un río y como un río creciente baña y acoge, surte y desemboca en un mar de claridad y belleza. Juguetes de Dios es su tercer libro de poemas, un tercer espejo en el que la poeta gaditana viene a reflejarse y a entregarnos la piel unánime y nada ajada del verso. Después de Huir de los domingos y de Delirios y mareas Charo Troncoso prosigue su búsqueda, su inagotable búsqueda y va encontrando en su camino océanos de complicidad, lectores que encuentran en su voz desnuda y rotunda un modo de conmoverse, de entender que el poema es una apuesta cargada de futuro que no puede pactar con modas ni necesita de audiencias masivas para hallar su identidad, su sino. El poeta se sabe minoritario pero también sabe que sin su poesía el mundo no sería el mismo, no podría ser el mismo.

Juguetes de Dios invoca de entrada a Oliverio Girondo para arrancar acto seguido con un soliloquio fundamentado en la imagen de un cementerio de marionetas rotas. Yo también decido mecerme con su poema en los brazos de mi madre, como símbolo de todas las madres, como forma de vencer la intrigante oscuridad que nos acecha. Porque quien canta al beso fugitivo, a la amargura, al silbo herido del viento, bien sabe que hilvana estrategias para postergar la muerte o el olvido o la miseria moral que rodea la realidad del mundo que no nos puede ser ajena cuando mojamos la pluma en el tintero. Y eso es el poema, una manera de revelarse y de revelarnos (con v y con b) de buscarse en los otros y de navegar en lo íntimo, de amar y desbordarse, tal como hace Charo Troncoso en Juguetes de Dios, libro de plenitud que abre nuevas vías de expresión y de conocimiento en su obra en marcha.

La misma Charo, que cual rayo de esperanza convoca a los poetas de Cádiz y su provincia a infinitas aventuras, la misma Charo emprendedora, motor de antologías y habitante del verso compartido, despliega en Juguetes de Dios su particular atlas sentimental y emocional en poemas que hermosamente hablan de “despertar para soñarlo todo”, de utopías colectivas y suicidas desesperados que eligen el modo de acabar con su vida. El poema “Miedo” lo precede una cita de un poema de José Hierro y en él se adivina la fragilidad de los sentimientos, de los futuros que proyectamos con la mirada. La vida y el amor están llenos de olvidos y de injurias, de finitud, pero el verso de Charo Troncoso alza su vuelo y sabe que un poema debe aspirar siempre al infinito.

“Dios nos vigila…” cantaba Bob Dylan en "Romance in Durango" y somos juguetes en sus manos, sombra de una sombra envuelta en otra sombra, mientras nos asomamos presurosos e infantiles a un ático donde se cruzan los gatos y los poemas. Y en ese ático brilla Charo Troncoso con luz propia, con su entusiasmo y su fe inmutable en el poema y en el valor de comunicación que éste posee y aquí podríamos hablar de la faceta pedagógica de Charo Troncoso pero nos desviaríamos de Juguetes de Dios, su último poemario que vislumbra horizontes de grandeza para una poeta que tiene los pies en el suelo, que sabe que ésa es la única forma de crecer en cualquier oficio y todavía más en este ámbito de envidias soterradas que es la literatura. En el verso de Charo Troncoso no mueren las musas, aunque escribir un poema someta al poeta muchas veces a una lucha titánica consigo mismo. Quien lo probó lo sabe.

Juguetes de Dios se me queda en los dedos y en los ojos mucho después de haberlo leído. En él late el corazón de una mujer que no olvida todo lo que la poesía le debe a la cultura popular y a la canción como muestra el guiño al grupo Golpes bajos en su poema “Misantropía” en donde hay una rebelión consciente contra este mundo que algunos se empeñan en convertir en un arrabal de vacuidad y superficialidad. Atrévanse a poner la tele cada día y sabrán lo que quiero decir y lo que Charo Troncoso alerta haciendo especial incidencia en los riesgos de la desmemoria colectiva. La poesía es también memoria propia y ajena y si calla el cantor calla una parte de esa memoria.

Caronte aguarda su momento (“la nada es todo” cantaba la gran poeta catalana Maria- Mercè Marçal) pero mientras que la nada arriba al puerto quedan lunas de tránsito y espera, enamoradas lunas donde postrar el verso, lunas para elegir el insomnio y no sufrirlo como una condena, para ser menos juguetes de Dios y más nosotros mismos porque la clave del poeta la resume Charo Troncoso en el último halo de luz de su libro, cuando nos susurra que escribir es dejar constancia de que una vez se ha sido, es sentir el aldabonazo de las palabras que salen al encuentro de quien las llama: “Escribir para no llorar/ y llorar si no se escribe”, versos finales que constituyen un modo de resumir la poesía transparente, inspirada, necesaria y urgente de Charo, poeta y amiga en el sendero de la poesía que siempre nos termina salvando.

MIGUEL HERNÁNDEZ

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Thu, 19 Nov 2009 01:08:00 +0000

En el programa Cádiz en la Onda (91.4, Onda Cero) hemos entrevistado al novelista y ensayista alicantino José Luis Ferris, autor de la indispensable biografía Miguel Hernández: Pasiones, cárcel y muerte de un poeta (Temas de hoy, 2002). El año que viene se celebrará el centenario del enorme poeta de Orihuela y José Luis Ferris jugará un papel relevante en esta celebración publicando una edición revisada de su libro dedicado al poeta. Fue todo un placer conversar con Ferris. Aquí va el audio de la entrevista.

RESEÑA EN EL CULTURAL DE ABC

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Wed, 18 Nov 2009 21:07:00 +0000

Manuel Muñiz Menéndez ha publicado el pasado fin de semana en el suplemento cultural de ABC una reseña sobre mi libro dedicado a François Truffaut. Os dejo con ella.

VIDA Y TIEMPOS DE ANTOINE DOINEL

Luis García Gil recuerda en el epílogo de este ensayo unas palabras de Miguel de Unamuno - a propósito de Flaubert- que le sirven para sintetizar la clave en la que se sustenta el cine de François Truffaut: “Sólo en obras de autores mediocres no se nota la personalidad de ellos, pero es porque no la tienen. El que la tiene la pone dondequiera que ponga la mano y acaso más cuanto más quiera velarse”. Esta condición de cineasta para el que sus películas son una prolongación necesaria de su biografía es clave en el retrato que el autor hace de Truffaut.

La reflexión va más allá de las directas referencias autobiográficas que Truffaut tejió en el personaje de Antoine Doinel –trasunto cinematográfico a medias del director y a medias de su protegido y doppelgänger, Jean Pierre Léaud- a lo largo de cuatro películas, empezando por su propio debut (Los cuatrocientos golpes, 1959) y durante dos décadas (hasta llegar a El amor en fuga, 1979). A Truffaut también se le entrevela en sus otras películas, incluso cuando adapta a Ray Bradbury (Fahrenheit 451), 1966), William Irish (La novia vestía de negro, 1967); La sirena del Mississipi, 1969) o Henri-Pierre Roché (Las dos inglesas y el amor, 1971). Hasta cuando más criticado era por algunos compañeros de profesión –empezando por su antes gran amigo Jean Luc Godard- que le acusaban de hacer el mismo tipo de cine “prefabricado” y sentimental que tanto había criticado en sus tiempos de “joven turco” de Cahiers du Cinémá, fue capaz de realizar un filme tan personal (y poco comprendido) como La habitación verde (1978).

Uno de los capítulos más interesantes de este libro (que repasa la trayectoria vital del director y analiza sus películas una por una) es el referido a las cintas que Truffaut pretendió hacer y no pudo. Entre ellas están algunas que acabaron pasando a otras manos como Bonnie y Clyde, que le fue ofrecida en primera instancia a sugerencia de los guionistas Robert Benton y David Newman, grandes admiradores suyos; sólo cuando Truffaut (quien no quería que una estrella distrajese al público de la historia) se desligó del proyecto al ser elegido Warren Beatty como protagonista, la dirección pasó a manos de Arthur Penn. Pero, por supuesto, hay muchas películas que Truffaut pudo haber hecho de las que jamás sabremos nada por culpa del cáncer que le apagó el motor de su cámara a los cincuenta y dos años.

PADRE E HIJO

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Fri, 13 Nov 2009 01:55:00 +0000

La vida no disimula la herida
que suele infringir el paso del tiempo,
orgullosos y afables recitamos
poemas al relente de la noche,
pero desuelan dudas implacables,
y tememos morir, perderlo todo.

Muchas veces pensé en tu partida,
en que nada dura eternamente,
que al irte sabría algo del dolor,
de la muerte encallada en el puerto,
de los ojos del invierno midiendo
las cuatro esquinas de la cama.

Era tan joven que no supe hablarte,
que no supe decirte que te amaba.
No te olvido. No podría olvidarte.
La noche tiene las alas cansadas,
le pregunto por ti y ni responde,
y sólo oigo a un perro vagabundo.

La vida es un viaje sin regreso
al principio de todo lo soñado.
El poeta no tiene descanso alguno,
canta su canción desesperada
y piensa en el hijo que está llegando,
el hijo que su padre no verá…

JACQUES BREL, UNA CANCIÓN DESESPERADA

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Mon, 09 Nov 2009 18:15:00 +0000

Ya está a la venta Jacques Brel, una canción desesperada, mi nueva incursión en el apasionante universo de la canción con mayúsculas. En la web oficial de la Editorial Milenio (http://www.edmilenio.com/) puede leerse como anticipo el capítulo 2 del libro titulado El país llano. Jacques Brel, una canción desesperada ha sido prologado de manera exquisita por el poeta y músico aragonés Gabriel Sopeña. Conocer y tratar (aunque sea en la distancia) a Gabriel Sopeña ha sido una de las muchas satisfacciones que me ha deparado la redacción del libro. La portada ha sido ilustrada por mi amigo Tito Muñoz cuya generosidad y talento son ya de dominio público.

Otra satisfacción motivada por la escritura del libro tiene que ver con el contacto que he establecido con el profesor José Luis Atienza Merino, uno de los primeros estudiosos en España de la obra de Brel y autor del segundo volumen que dedicara a Brel la editorial Júcar después de la primera entrega firmada por Jean Clouzet.

No puedo olvidarme de lo que ha supuesto para mí trabajar con un editor del conocimiento y de la sensibilidad musical de Javier de Castro quien tiene además recién salida de la imprenta una recomendable biografía (escrita junto a Àlex Óro) sobre Los Sirex. Esta biografía puede también encontrarse entre los fondos de la Editorial Milenio cuya colección de libros de música es indispensable para cualquier aficionado que se precie de serlo.

Jacques Brel, una canción desesperada será presentado el 25 de noviembre en Cádiz y el 4 de diciembre en Barcelona. Más detalles sobre estas presentaciones en http://www.luisgarciagil.com/

PEPPERMINT FRAPPÉ

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Mon, 09 Nov 2009 00:53:00 +0000

Recuerdo que la primera vez que me sumergí en Peppermint Frappé (Carlos Saura, 1967) me impactó de forma notable. Fue el primer filme de Saura que vi. Cuando me enteré de la muerte de José Luis López Vázquez recordé su interpretación de médico de provincias en esta película en la que construye un personaje perverso, minado por la envidia y por el deseo insatisfecho. Cierta España arcaizante y brutal se refleja en Peppermint Frappé, una de las mejores películas de Saura en la que Geraldine Chaplin recita en una singularísima escena el poema "Yo voy soñando caminos" de Antonio Machado, referencia audaz y pertinente en una España franquista colmada de poetas oficiales.

En esta obra de Saura destaca el simbolismo, la ambiguedad, el erotismo obsesivo y reprimido. Por ello importa y mucho que la película esté dedicada a Buñuel y que el personaje de López Vázquez imagine a Elena (Geraldine Chaplin) tocando el tambor un remoto Viernes Santo en Calanda, la pequeña patria aragonesa del autor de Un perro andaluz. Atavismo, tradición, imagen idealizada y obsesión en medio de la asfixiante vida provinciana surcando el rostro de Julián, el descentrado protagonista al que da vida José Luis López Vázquez.

Aunque Saura lo negara muchas veces en Peppermint Frappé está además de Buñuel la sombra de Hitchcock y de Vértigo. Geraldine Chaplin se desdobla como Kim Novak en dos personajes, la enfermera Ana y la turbadora Elena que está casada con Pablo (Alfredo Mayo), médico emprendedor y viejo amigo de Julián con el que pasados los años aquel vuelve a reencontrarse convirtíéndose en un espejo que le ayuda a comprobar la monotonía en el que ha trascurrido su existencia.

Contaba el propio Saura que la idea de Peppermint Frappé le vino durante una visita a Calanda en plena celebración de la Semana Santa. En el trascurso de una procesión se quedó absorto mirando a una chica tocando el tambor con tal fuerza que le sangraban las manos. Esa idea fue el punto de partida de la historia que Saura filmó en Cuenca, una ciudad idónea que adquiere un protagonismo esencial en la película.

El poder de los objetos, el fetichismo, la sombra de los recuerdos infantiles (antecedente de La prima Angélica) todo posee en Peppermint Frappé un interés suplementario, incluida esa visión de un hombre desesperado que recrea a una mujer, que la idealiza, que la somete a su propia fantasía y a sus propios fantasmas. No es cierto que la película de Saura haya envejecido mal. Es un retrato feroz de un tiempo y de unas circunstancias que nunca puede ser ajeno, que aún hoy se cierne sobre nosotros. Dibujo de una fascinación enfermiza Peppermint Frappé permite entregarnos a un actor (López Vázquez) que rompe con su estereotipo para explorar otros registros nada habituales para el espectador medio acostumbrado al carrusel gestual y cómico del actor y a su representación del españolito medio. Aquí el actor está contenido, parco, en una interpretación clave en su transición a papeles desacostumbrados en su filmografía.

Tenía la necesidad de volver a Saura, al libro que le dedicó Enrique Brasó en 1974, a las sugerencias que posee un filme como Peppermint Frappé, incluida la estupenda fotografía de Luis Cuadrado, la absorbente banda sonora de Luis de Pablo, y la imagen de Geraldine Chaplin bailando al ritmo de Los Canarios.

CHOPIN

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 07 Nov 2009 04:25:00 +0000

Escuchar una y mil veces a Chopin. Detenerse en su opus 10 Nº 3 en mi mayor que el cineasta Michael Winterbotton utiliza en la apreciable y poco apreciada Génova. Pensar en la misma luna de todas las noches y empaparse de Chopin y pensar en lo que se nos va yendo de las manos mientras los segundos fulminan el poema que hoy tampoco acabaremos. Pensar en la vida futura que habita en el vientre del ser amado. Morirse pero en broma y no imaginar siquiera ese entierro con flores y responsos donde el muerto que seremos tendrá que aguantar la hipocresia y el cinismo de los que gustan de los cortejos más o menos fúnebres. No olvidar que somos, que aún somos una luz poderosa que vierte su canto, una infancia que viene y deposita la fe de sus astros. Y escuchar a Chopin, ese piano que llega y nos arrasa, esa melodía que nadie nos enseñó a amar.

TRUFFAUT EN SEVILLA

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 07 Nov 2009 03:52:00 +0000

Presenté mi libro sobre Truffaut en la FNAC de Sevilla en el marco del Festival Europeo de Cine. Me acompañaron Manuel Pedraz, periodista de RNE y responsable del espacio radiofónico Historias de papel, y el cantautor Fernando Lobo. Fue una presentación especial por la manera que tuvo Manuel Pedraz de conducir el diálogo que establecimos y porque estábamos en Sevilla, ciudad a la que le profeso por muchas razones un cariño muy especial. Por la calle Sierpes debe vagar el fantasma de mis 18 años cuando yo comenzaba mis estudios universitarios, antes del regreso a Cádiz que determinadas circunstancias forzaron.

Hablar de Truffaut en Sevilla y hacerlo en la FNAC fue un privilegio como lo fue contar con la voz querida de Fernando Lobo viajando de "La boheme" de Aznavour (guiño a Tirez sur le pianiste) al "Cine, cine" de Aute (guiño a Los 400 golpes). Esta visita a Sevilla me sirvió de reencuentro con el gran poeta y pintor cubano (además de buen amigo) José Pérez Olivares con el que muchas veces conversé sobre cine y con el que compartí cierta ocasión una proyección casera de Un soplo al corazón, la enorme película que Louis Malle estrenó a principios de los años 70. Pérez Olivares me trajo bajo el brazo su última colección de versos, Los poemas del Rey David (Tierra de nadie, 2008), una joya poética en la que se rinde culto a Los 400 golpes y a Antoine Doinel en el soberbio poema titulado "Muchacho que corre".

Al final del acto se me acercó un chico al que le dediqué mi libro viéndome reflejado en su propio rostro. Se llamaba Luis y se declaró fan de Truffaut. Pensé entonces que aún no todo está perdido y que aún hay jóvenes inquietos que pueden descubrir a Truffaut y hacerlo suyo.

ESTROFALARIO

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Sat, 07 Nov 2009 01:53:00 +0000

La publicación de Estrofalario constata que la joven poesía gaditana llega para exigir su sitio. Estrofalario responde bien al entusiasmo de Charo Troncoso, ejemplo de dinamismo cultural en un contexto en el que no siempre soplan vientos favorables. Estrofalario se presentó el pasado jueves en Cádiz y tuvo como introductor y necesario mecenas al bueno de José Manuel Benítez Ariza que ha prologado esta odisea en verso. En Estrofalario, editado por Quorum Editores, se juntan doce poetas, doce maneras de entender la poesía, doce maneras de fijar en una hoja el latido de la fugitiva existencia.

Hay poetas aquí cuya mirada permanece y de cuya vocación y búsqueda constante del cauce verdadero del poema puedo y debo dar fe. Es el caso de Eduardo Flores que sabe del poder de la anáfora y cuyo poema "Entonces" nos regala versos e imágenes conmovedoras. Y es el caso de Charo Troncoso cuya obra lírica ya está debidamente asentada y cabalga en el mejor de los caminos como constata la aparición inminente de su tercer poemario titulado Juguetes de Dios.

En Estrofalario es gratísimo encontrarse con los hermanos Lobo (Fernando e Ignacio) que muestran su condición de juglares contemporáneos tentados por la belleza de las palabras. Y también se agradece la presencia de Juan Jesús Payán con una voz profundamente madura y un conocimiento evidente de la métrica. Estrofalario es un espejo en el que también ha venido a reflejarse Valero Cortadura con su colección de Cantos de un equilibrio y sonoridad ejemplares.

Completan el fresco de este libro subtitulado Voces nuevas en Cádiz Manuel Mª Álvarez, Eugenio M. Fernández Aguilar, José Aurelio Martín, José Simonet, Israel Alonso y Macarena Jiménez Quevedo. Cada cual con sus modos y maneras, pero todos contribuyendo al objetivo primordial de juntar voces y ecos de ahora mismo, voces y ecos que saben que la poesía sigue proyectándose hacia el futuro porque mientras haya vida habrá poesía.

Felicidades a todos los poetas y especialmente a los que considero amigos y cómplices de la travesía de la vida y del verso. Larga vida a Estrofalario.

NIÑOS

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Wed, 04 Nov 2009 01:12:00 +0000

Con qué ternura
la luz resbala
en vuestros labios.

Dueños del mundo,
la vida canta
en vuestra risa.

Niños…

Altiva frente,
prodigio cierto,
luna en los ojos.

Mar que batalla,
risa y promesa
de cinco abriles.

Niños…

Espuma y llanto,
música y juego,
ternura y madre.

¿Dónde la niebla,
dónde la fuente
que mana triste?

Niños…

DAIQUIRI BLUES

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Mon, 02 Nov 2009 12:35:00 +0000

Los ojos de noviembre, la piel ceremoniosa de los cementerios, los cipreses del olvido, la canción de los otoños sacudiendo el amanecer. Acude noviembre a la palabra con su aluvión de ausencias y de poemas por escribir. Me refugio en los sonidos americanos de Daiquiri blues, el nuevo disco de Quique González que ha contado con la producción de Brad Jones. Trece canciones perfiladas a medio tiempo, hondas y reposadas palpitando hacia lo íntimo, hacia el alma de una guitarra que transita por rutas en las que habita el recuerdo y el implacable olvido.

"Necesito entrar en los sueños de ayer" nos susurra Quique González en su canción "Su día libre", lírico ejercicio que cuenta con una cuidada instrumentación que es común a todo el disco. Entre Bukowski y Nashville Daiquiri blues despliega sus armas sentimentales, ronda las noches en vela de los amantes solitarios y apunta alto en canciones como "Deslumbrado", "Riesgo y altura", "La luna debajo del brazo" o "Anoche estuvo aquí".

Quique González no olvida sus referencias, sus ídolos expresivos e itinerantes, pero sabe además conjugar un febril universo que ya le reconocemos como propio. Entre camareras insomnes, tipos acabados y lunas de marfil Quique González es un artista sincero y sensible que alivia con su talante cierta realidad de la música española. Quique González es alguien que con toda su tradición anglosajona a cuestas quiere cantar con Serrat demostrando con ello su sensibilidad, su criterio, su deseo de transparentarse en canciones que no se fuerzan, que respiran de modo natural, sin artificios.

Uno se abandona a Quique González mientras lee a José Emilio Pacheco y los poemas en prosa que conforman La edad de las tinieblas (Visor). Y miro la realidad del mundo a través de los ojos abiertos y viajeros del escritor argentino Martín Caparrós en Una luna (Anagrama) para retornar a Truffaut leyendo François Truffaut: La culture et la vie de Arnaud Guigue cuya lectura me quedó pendiente en mi indagación en el cineasta parisino. En medio de tantas lecturas desordenadas avanzo en la lectura de la prolija El pasado de Alan Pauls, memoria de quienes recuerdan que se amaron, de quienes contemplan lo absurdo de las fotografías que ya no significan nada mientras pasan los aguaceros como pasa la vida silenciosa y esquiva.

Todos los pensamientos nublan mi mente en estos días de noviembre, de afilados crisantemos coronando un cesto de mimbre. Me entero que ha muerto José Luis López Vázquez y me viene a la memoria su interpretación prodigiosa en La prima Angélica de Saura donde el inolvidable actor demostraba su ya probada versatilidad, más allá de sus papeles en la comedia desarrollista made in spain de Lazaga, Ozores y compañía. En los años setenta podemos encontrar vestigios de sus mejores interpretaciones en películas como El bosque del lobo de Olea, Mi querida señorita de Armiñán, Duerme, duerme mi amor de Regueiro o Habla, mudita la ópera prima de Gutiérrez Aragón.

De López Vázquez, memoria del mejor cine español, a Quique González que sigue cantando en esta noche poblada de fantasmas, de sueños conciliados, de plazas desiertas y mareas que tiemblan en las playas del alma. "Necesito entrar en los sueños de ayer...". Voz y lamento, tiempo, cadencia y el sabor de un daiquiri en los labios.

HABLANDO DE TRUFFAUT EN DÍAS DE CINE

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Fri, 30 Oct 2009 13:50:00 +0000

Os dejo con el reportaje que Días de Cine (TVE) dedicó a Truffaut y en el que tuve la fortuna de participar. Agradezco a Raúl Alda todas las atenciones que me dispensó durante la grabación realizada en la Cuesta Moyano de Madrid el pasado martes 27 de octubre.

LA FANETTE (1963)

noreply@blogger.com (Luis García Gil) — Tue, 27 Oct 2009 00:31:00 +0000

Si me pidieran que escogiera una sola canción de Jacques Brel probablemente escogería "La Fanette", entre un repertorio sobrado de canciones inmarchitables. "Éramos dos amigos y La Fanette me amaba" ("Nous étions deux amis et Fanette m' aimait"). ¿Habrá un mejor modo de introducir una canción, una historia, un poema? En ese primer verso dictado por las esquivas musas está resumido todo el torrencial poético de esta canción grabada en 1963 cuando Brel ya conocía el éxito. Cuatro años habían pasado desde la conmoción de "Ne me quitte pas". "Sublime canción de amor ciego" la llama Alain Wodrascka en su libro Jacques Brel: Voyage au bout du rêve, editado en 2008, para a continuación relacionarla con "J' ai perdu tout ce que j' aimais" de Alain Souchon.

Brel y los amores trágicos y traicionados y la playa de Ostende y la mujer inalcanzable que era hermosa como una perla de agua. "La Fanette" muestra al gran intérprete que era Brel, surcando cada verso con enorme intensidad asumiendo sus pérdidas una por una. El arreglo de Rauber es impecable y presta a la odisea breliana su peculiar atmósfera, onda Martenot incluida.

Canta Brel aquello de "hay que decir que ella era hermosa y yo no soy hermoso" y cita al principio al sol de julio que miente. Detrás de su luz late la amargura de quien sufrirá por amor. Es curioso comprobar cómo Jacques Brel y Serge Gainsbourg (aconsejo de paso la biografía de Sylvie Simmons sobre Gainsbourg) se sentían acomplejados cuando se enfrentaban ante el dictamen del espejo. La belleza parecía una estrella inaccesible sin la que no podían acceder a las mujeres soñadas.

"La Fanette" pinta esa frustracción porque la mujer soñada escapa con el amigo íntimo y el protagonista de la canción queda desamparado soportando la risa de los amantes. En la última estrofa aún recuerda el protagonista la voz de la Fanette que llega para abatir el espacio junto al rumor del mar. "Éramos dos amigos y la Fanette me amaba..." pero en la vida cambia la suerte y cuando menos se espera se derrumba el mundo. Brel busca a la Fanette, la reclama, la eterniza, la trae a su presente, la poetiza y la esculpe como si fuera Rodin en sus estrofas mientras arde julio en las palabras.

Todo es poesía, enorme poesía de quien no se consideraba poeta, poesía latiendo en esta canción de desamor profundo que no pisa los terrenos de la misoginia como sucede con otros retratos femeninos de Brel como el de "Les biches". La Fanette es un ideal de mujer, un blanco anhelo, un sueño desdibujado sobre las olas de un verano. La soledad de Brel es incomparable como la belleza de su canción.